Programa nº 18 en BN Mallorca en el que entrevistamos a Mía Salazar, directora del documental «In the middle of Nowway», que trata sobre la «doble vida» que Jorge Martí, líder de La Habitación Roja, lleva entre Noruega y España.
Además repaso de noticias musicales y contenido en la web. Y cómo no…, nuestra archi-conocida sección GRAN RESERVA con los mejores melocotonazos de ahora y siempre.
¡Pasen y escuchen! ¡SALUD!
Aquí te dejamos el podcast del programa y la playlist:
En Notodoesindie celebramos el segundo cumpleaños en un año. Sí, ¡porque nosotros bien lo valemos! Aunque todo tiene una explicación. El tercer aniversario se nos descolgó de 2017 por cuestiones varias y tuvimos que celebrarlo ya bien entrado el presente año. Difícil olvidar ver la entonces recién estrenada sala de conciertos de Casa Planas repleta hasta arriba para ver a los madrileños Los Punsetes. Nos llenó de orgullo y satisfacción poder disfrutar de una noche así, en la que teníamos puestas tantas expectativas por ser el primer gran concierto que montábamos. Y que no se nos interprete mal, pero traer a una banda de renombre nacional con una trayectoria ya consolidada no se nos hubiera ocurrido hace relativamente poco. Pues bien…, lo hicimos y, podemos decir que salimos bastante bien airosos del “fregao”.
Ahora llega el mes de noviembre, y con él la fecha real del cuarto cumpleaños en el que celebramos aquella brillante, a la par que loca, idea que un tal Pablo Riera (sabes que te queremos muy en el fondo) tuvo un día al proponer a unos cuantos freaks de la música escribir sobre lo que quisieran, sin tapujos ni prejuicios, con corazón y sentimiento. Y aunque el pelotón ha sufrido bajas, también ha generado altas; y aquí seguimos en la trinchera. Seguimos generando contenido escribiendo sobre discos de ahora y siempre, entrevistando a artistas emergentes, recomendando y recordando citas musicales importantes, etc. Por si fuera poco, persistimos en nuestro intento de hacer una radio fresca y dinámica en esta etapa nueva en BN Mallorca -gracias chicos por confiar en nosotros; sin olvidarnos de quien nos dio la primera oportunidad y nos vio crecer en las ondas -gracias a Sputnik Radio también, y a Marito Verdaguer especialmente. Pero especialmente estamos satisfechos de nuestro último logro, hace ya unos cuantos meses, de poder publicar un suplemento cultural mensual en el diario Última Hora de Mallorca. Nuestra extensión física sobre el papel nos ha dado la oportunidad de llegar a más personas y de consolidar una marca que podemos decir que ya es reconocida en la isla. Pero sobre todo ha generado una nueva ilusión. Y en esas andamos…
Ahora estamos obligados moralmente a no bajar el listón, y desde hace ya unos meses nos propusimos ofrecer una noche como mínimo como aquella del pasado mes de marzo. Y honestamente, creo que lo hemos conseguido en lo que a cartel se refiere. Sin desmerecer, ni muchísimo menos a nuestros pasados invitados (al contrario), hemos pensado en ofrecer una propuesta diferente con una banda que, aunque muy joven, ya llevan unos años dando guerra. Los murcianicosPerro de hecho presentarán su tercer LP (Trópico Lumpen, 2018), y no en vano les tenemos especial cariño porque ya les hicimos una entrevista en vídeo cuando vinieron a presentar su puesta de largo (Tiene Bacalao, Tiene Melodía, 2013), cuando también nosotros estábamos empezando. Por supuesto complementamos el cartel con los mallorquines Bilo, que desde luego no van faltos de descaro sobre el escenario, y estamos seguros de que harán buenas migas con los chicos de Perro. Y cómo no, entre medias algún indio o salmón pinchará temitas para amenizar las esperas.
En resumen, si quieres presumir de asistir a lo mejor de la escena musical mallorquina, si quieres estar realmente en la pomada…. ¡no puedes faltar el próximo 17 de noviembre en Casa Planas! ¡Te esperamos!
1) 45 cerebros y 1 corazón: probablemente la gente que os sigue ya sabe lo que hay detrás del título de vuestro primer LP, pero ¿podríais explicar el origen una vez más?
El origen del nombre del título de nuestro primer disco es el nombre de una canción que figura en el disco y que para nosotros era muy importante y explica bien nuestra manera de relacionarnos con las músicas de tradición oral. Es una canción que hace referencia a un tabú muy instalado en la historia de nuestro país que hace referencia a la situación de las fosas comunes del franquismo. 45 cerebros y 1 corazón no son una metáfora, ni es un título bonito; son 45 cerebros y 1 corazón que se encontraron en la exhumación de una fosa común del franquismo cerca de Burgos, en La Pedraja, y después de la noticia del descubrimiento leí un artículo que lo explicaba y entonces vi muy claro que eso podía ser una canción. Al principio el enfoque que le quería dar era el de un romance de estos tan «gores» que existen en la tradición oral, pero luego poco a poco la canción se fue creando con diferentes estratos que hay que ir desenterrando; y por eso la canción parece una mezcla de muchas canciones que resuenan entre ellas; desde la primera parte que es más documental con algo más de ironía, hasta una parte en la que directamente se vuelve más mágica y parece que habla la muerte misma. Esto nos servía para establecer también un polo dentro del disco, entre esta canción cósmica que nos remite a un universo de amor y de deseo cósmicos, y este lugar debajo de la tierra donde se encontraron los 45 cerebros y 1 corazón; la canción cósmica con «Tú que vienes a rondarme» y la canción que da nombre al título, la que está justo por debajo del suelo que pisamos.
2) De un tiempo hasta ahora han surgido artistas en este país que apuestan por recuperar las raíces más folclóricas en el mejor de los sentidos: Silvia Pérez Cruz, Niño de Elche, Rosalía y Raül Fernández (Refree), etc. En muchos casos dándoles una vuelta de tuerca con las nuevas tendencias generando un movimiento vanguardista del que, ¿os sentís parte? ¿Qué creéis que aportáis vosotros?
Pues cuando nos preguntan si hay una escena propiamente dicha, la verdad es que no en el sentido de que hay un diálogo entre todos estos artistas, no desde dentro. Obviamente todos los discursos que nos remiten a las músicas de tradición oral resuenan en otros proyectos que también las utilizan como punto de partida. Sin duda de entre todos estos artistas que citas, con el que nos sentimos más cercanos es con Niño de Elche por su manera de trabajar, por su curiosidad y por su apertura. Creo que nosotros aportamos mucho también; al no tener unos estilos determinados como referencias únicas, como por ejemplo el flamenco o el jazz, o la canción de autor catalana, pues todo está un poco más mezclado, y el hecho también de que hagamos temas propios pues es una diferencia, que no van tanto en la expresión de un virtuosismo por parte de los músicos sino que quieren encontrar un tipo de composición en la que la propia canción sea la protagonista, y no tanto nosotros como intérpretes. Creo que eso también es algo que lo hace diferente. Y luego sobre todo lo que queremos transmitir; en nuestra música es muy importante lo que decimos y la forma en la que lo decimos.
3) Sin duda vuestra música está directamente relacionada con la realidad político-social y resulta difícil diferenciar vuestras letras de muchas proclamas y reivindicaciones actuales de la calle. ¿Creéis que la cultura, en vuestro caso la música, debe ir siempre más allá del puro entretenimiento?
Nosotros no somos moralistas con esto; es decir hacemos lo que nos da la gana, y todo el mundo debería hacer eso. Para nosotros es importante escribir sobre las cosas que nos emocionan, nos preocupan…, y es por ello mismo que están en nuestro disco. Pero yo tampoco me quiero cerrar un día a hacer una canción o un disco que sea como dices tú puro entretenimiento. No pensamos en esos términos, hacemos lo que nos parece que es interesante, lo que nos llama, y luego nos salen canciones que son muy íntimas o que son como mantras y otras que son más intelectuales por decirlo así. Pero todo esto habla de cómo somos nosotros.
4) Parece obvio que vuestro proyecto musical y este disco han puesto vuestras vidas del revés. ¿En qué momento tomáis conciencia de este giro de 360º y decidís lanzaros al 100%?
Nos decidimos lanzar al cien por cien ya muy desde el principio. El fichar por nuestro manager, bastante al principio también, nos hizo creer más aún en este proyecto; y ya con el éxito del disco al cabo de un año veíamos que cuanto más creces también más consciente eres de lo difícil que es que esto pase y de lo que tú tienes que dar al propio proyecto. Nosotros vivimos totalmente para él y ahí estamos…, pues también viendo, encontrándonos con emociones ya no sólo nuestras sino también reacciones de gente que admiramos, que le gusta lo que hacemos, o gente cercana que tiene reacciones también a lo que nos pasa, la familia… Se trata de ir aprendiendo de todos estos procesos y sin duda que nosotros tenemos ganas de crecer más y poder tener más libertad, y ser un altavoz más grande cada vez de nuestra música.
5) Ahora que estáis más metidos en la rueda de la industria musical, imagino que conviviréis por momentos con la ilusión y la decepción, ¿cómo lo vivís?
Lo vivimos muy bien, y obviamente hay momentos de todo, pero incluso cuando las cosas van mal también lo aceptamos. Así es la vida, y estamos muy agradecidos y muy contentos. Luego siempre tienes la sensación de que lo que cuenta es el momento en el que estás y que en nuestro caso lo que nos encanta es currar, ensayar, crear nuevas canciones. Estamos ya trabajando en el segundo disco y viendo qué forma le damos.
6) Ya se habla de vuestro disco como el de un referente en unos años, y el listón está realmente alto. ¿Os da un poquito de vértigo mirar hacia detrás (por lo logrado) y hacia delante (por el futuro)?
Sin duda que después de este año casi y medio de muchos viajes, de mucha intensidad, de sorpresa total y agradecimiento, nos vamos dando más cuenta de que hemos hecho cosas muy bestias realmente para la proyección que nosotros esperábamos tener, que era sin duda mucho menor. Entonces piensas…, a ver qué pasa con el próximo disco. Personalmente he tomado la decisión de intentar no pensar demasiado en estos términos; intento concentrarme en hacer lo que me gusta, en estar con la gente que me gusta, leer mucho. Y currar, y pasar tiempo escuchando, cantando y grabándome en los ensayos y estar en ese preciso lugar en el que es más fácil saber lo que te gusta y lo que no te gusta, que sentirte fuera con todas las valoraciones positivas que hemos recibido pero que al final no es algo que nos pertenece. Mantenerme en el trabajo es lo que me hace más feliz, y luego pues el resto ya veremos.
7) Hablando de futuro, ¿qué tenéis en el horizonte más cercano?
Pues vamos a terminar la gira y estamos trabajando ya en el segundo disco; a ver si lo podemos sacar el año que viene que sería lo ideal, pero vamos a ver qué tal.
8) Vuestros directos son verdaderos viajes emocionales y van más allá de lo musical. ¿Sois conscientes de ello, de la conexión tan especial con el público? ¿Es esto algo intencionado e integrado en vuestra propuesta?
Sí que nos damos cuenta de ello en el sentido de que nosotros nos entregamos también desde nuestro lugar, y me parece que es algo muy especial del proyecto. Hay una conexión fuerte y a mí me encanta este punto de abismo que se abre a veces y me parece que es muy especial.
9) Normalmente los artistas rehúyen de etiquetas, pero ¿podríais decirnos algunos de vuestros referentes musicales?
Hay muchísimas referencias que nos han servido en este disco, pero por ejemplo cuando fuimos a hablar con nuestro productor, David Soler, le dimos dos canciones; una canción de Arca y otra de Kate Tempest. Es muy probable que no encuentres en ningún lugar estas dos referencias en el disco, pero siempre nos pasa. Nosotros vamos con referencias que no tienen nada que ver a priori con nuestra música pero que nos sirven luego para generar sonidos que están en un lugar que no es fácil identificar de primeras.
10) Una recomendación musical actual.
Pues una recomendación que a Marcel y a mí nos encanta es el disco Black Origami de Jlin que sacó el año pasado.
No suele ser raro que muchas veces acabemos consiguiendo algo que, a priori, parece muy difícil antes que algo muchos más sencillo o sin complicación aparente. Esta entrevista podría ser uno de esos casos a pesar de la cercanía, por un motivo u otro, se nos ha ido resistiendo a lo largo del tiempo desde que Notodoesindie viese la luz, hace ya algo más de 3 años, pero por fin podemos decir que, aprovechando su presencia en el Mallorca Live Festival, pudimos entrevistar a Luis Alberto Seguraalma mater de, la que sin lugar a dudas es ya una de las bandas más importantes de la historia de la fructífera cantera mallorquina, L.A.
Aprovechamos la oportunidad para hacer un repaso tanto de su último disco, King of Beasts, como de su casi 15 años de carrera y sobre todo para quitarnos la duda de si el concierto navideño del grupo acabará convertiéndose en tradición.
– L.A. es probablemente una de las bandas más consolidadas del panorama nacional, respetada por público y crítica. ¿Cómo vives el momento actual teniendo en cuenta toda tu carrera artística?
Lo vivo bien, con calma pero sin parar, siempre pensando en lo siguiente…
– En línea con la anterior pregunta, si no nos fallan las cuentas L.A. cumplirá 15 años en 2019. ¿Cómo ves la evolución de la banda, y la tuya personal, con la perspectiva del tiempo?
Ha sido un camino intenso, sobretodo los últimos 10 años, desde que salió Heavenly Hell, una montaña rusa que sigue teniendonos en vilo aún a día de hoy. Ha habido de todo, bueno y malo, aunque siempre predominando las experiencias positivas pero esto es un camino complejo, de mucho esfuerzo, de mucha satisfacción y frustración también, un auténtico cocktail molotov de emociones.
Es evidente que no somos los mismos que hace 10 o 15 años, cambian muchas cosas sobre todo a nivel personal, familias, hijos, etc. y todo eso hace que tu perspectiva y tu visión vaya mutando, los intereses y las intenciones no son las mismas que al principio, solo hay una cosa que permanece ahí y son las ganas de hacer música.
– Después de 4 discos, King of Beasts combina canciones que suenan al L.A. “de siempre” con algunas instrumentales o incluso canciones más pop hechas para corear a lo “stadium band”. ¿Es esto casual?
Parte sí y parte no, hay una parte muy natural y muy espontánea en King of Beasts y eso es el descontrol que hay en el disco, pasar de una instrumental a una canción con 80 pistas de instrumentos a una con solo acústica y voz grabada con un magnetófono. Eso es mi cerebro y el desorden que lo caracteriza desde mi primer disco Grey Colored Melodíes. Después está la parte más preparada y pensada para actuar en escenarios grandes, girar por todo el mundo y sobretodo incitar a corear los estribillos. En esa faceta ha tenido gran culpa el productor del disco, Antoni Noguera, quien me ha empujado a sacar siempre un estribillo mejor o un arreglo mejor, esa es su especialidad y a la vista está.
– ¿Cómo ha sido la elección de los temas incluidos? ¿Es un proceso coral junto a la banda o eres tú el que decide?
Fue una elección paulatina, y que iba cobrando forma a medida que íbamos registrando todo el material en el estudio, pero fue un trabajo conjunto con Noguera. Le dimos muchas vueltas y las colocamos de muchas formas hasta dar con el tracklist final.
– En este nuevo trabajo el sonido se mueve entre diferentes aguas. En nuestra opinión sería el disco más versátil en lo que a estilo musical se refiere, ¿cómo lo ves tú?
Es cierto, lo es precisamente por lo que te contaba antes, si algo tiene el disco es la diversidad de producción a lo largo de sus 17 canciones, es también sin duda mi disco más experimental.
– ¿Crees que a nivel personal ha sido el disco en el que más has arriesgado o experimentado musicalmente?
Sí, por muchos motivos, pero principalmente por la instrumentación y por el jugueteo constante con la electrónica una canción como “Wind” habría sido impensable hace 2 años.
– En los directos de presentación del disco comentáis la cantidad de sonidos y artilugios que habéis usado en la grabación. ¿Cómo se integra eso en el sonido de directo?
Empezamos intentando ser fieles a la grabación y así lo hicimos durante un año de gira, ahora ya hemos vuelto a la formación de 4 original, mucho más sencilla y directa, eso sí, introduciendo gran parte de la artillería del King Of Beasts.
– El vídeo de “Where the Angels Go” nos parece una preciosidad. ¿Cómo surgió la idea de rodar un videoclip en Islandia? ¿Cómo fue la experiencia?
Un día me llamó mi A&R en Sony y me dijo que me iba a llamar alguien que había tenido una idea genial para llevar “Where The Angels Go” a la imagen. Ese alguien resultó ser Willy Rodríguez, un joven realizador con un cerebro aún más loco que el mío. Cuando me llamó y me contó lo que quería hacer me pareció tan surrealista que dije que sí al instante.
¿Irnos con una patinadora a recorrer Islandia? ¡Vámonos!
– Este año has estado tocando en el MLF en Mallorca, ¿notas diferencias entre el público insular y cuando giráis por el resto del territorio español? ¿Y en el extranjero?
Mallorca es diferente en muchos aspectos, gran parte del público me sigue desde que tocaba en el Bluesville, en restaurantes y bares de toda la isla y eso siempre lo tengo en cuenta, puedo meter alguna cosa de mis primeros discos, que solo se conocen aquí, y lo agradecen y les gusta… ¡y a mí más! y después sobre todo el cariño mutuo.
Tener el público lleno de amigos y familiares mezclados con gente que te acaba de conocer y fans de hace 15 años es una sensación maravillosa..
– ¿Qué piensas del estado de salud de la escena balear? ¿Qué grupo o grupos te gustan en particular?
La escena esta bien cargada. En cuanto a mi ámbito “indierock” se refiere hay infinidad de propuestas totalmente exportables fuera de nuestras fronteras como The Prussians, Ombra, The Wheels, Thony Bloom, The Bay City Killers, Tacosanto, Maico y la lista no acabaría nunca.
– El público mallorquín quiere saber si lo del concierto navideño acabará en tradición… ¿Hay que ir reservando fecha en el Teatro Principal para este 2018?
Jajajaja. Pues si, la intención desde que lo hicimos por primera vez hace dos años ha sido fijarlo como una cita anual en uno de mis escenarios favoritos del mundo y con mi público favorito.
– Por último, te pediríamos una recomendación de un disco actual que estés escuchando.
Pues te podría decir muchos ahora mismo, pero por ejemplo estoy muy enganchado a Rare Birds de Jonathan Wilson y a la banda sonora de El hilo invisible de Jonny Greenwood.
Hace más de veinte años se alinearon los astros y en plena lucha mediática entre el grunge y el brit pop apareció una joya que solo podía haberlo hecho en San Sebastián. Allí el Donosti Sound se desmarcaba de las guitarras del Noise que inundaban la escena alternativa de nuestro país y reivindicaban un sonido próximo a Sarah Records con sencillez en los arreglos, guitarras limpias, letras cuidadas en castellano perfectamente inteligibles… Todo lo contrario a lo que hacían las bandas del indie incipiente que eclosionaba. Era la alternativa a la alternativa y realmente de las escenas más sólidas de nuestra geografía con bandas como los propio Family, La Buena Vida, Lemans, Aventuras de Kirlian que confluyeron en lugar y tiempo.
Family son Javier Aramburu e Iñaki Gametxogoikoetxea que provenían de los proyectos previos La insidia y El joven lagarto. La historia de la banda es tan apasionante como el propio disco. El nombre de esta banda se pone en boca de la escena musical gracias a unas demos grabadas en un casete que empiezan a correr de mano en mano, muchos años antes de que supiéramos que sería eso de convertirse en virales. El hecho es que el disco finalmente se publicaría con el apoyo de gente como Alaska y se editaría por el sello Elefant. Las críticas y el público lo convirtieron en disco de culto, apoyado por el hecho que tras su publicación desaparecieran sin dar entrevistas ni explicaciones.
Mucho se ha escrito sobre ellos y las canciones. Las letras y los arreglos crean un universo donde las canciones casi pueden visualizarse. Sutiles sintetizadores visten las canciones de una manera elegante que recuerda a unos New Order sosegados. Las letras rozan la cursilería con el AMOR como hilo conductor, pero lejos de caer en ñoñas consiguen llevarte a su mundo por poco que abras los oídos. Yo los conocí años más tarde de su lanzamiento en recopilatorios de Elefant primero y en el recopilatorio que les dedicarían diversos grupos (La Buena Vida, La Casa Azul, Astrud, Los Planetas, Ana D, Niza…) publicándose conjuntamente por Elefant y la Rockdelux.
Amor, desamor, viajes galácticos, paseos oníricos, evasión, veranos de ensueño, piscinas, noches inventadas… todo ello construye un mundo mágico que consigue atraparte por poco que te dejes. “Nadadora”, “El bello verano”, “Dame estrellas o limones” o “Viaje a los sueños polares” (de ahí cogió prestado el mítico programa de Indie que Luis Calvo consiguió colarle a Los 40 Principales a mitad de los 90) son auténticas referencias dentro de nuestro POP… Pocas veces un grupo ha acaparado tantos elogios, no obstante nunca han sido suficientemente reivindicados pues por mucho que les hayan dedicado homenajes, versiones e incluso en 2015 se publicaron sus demos en vinilo, la realidad es que son desconocidos para el gran público.
Cierra los ojos, escucha el disco y visualiza el mundo de Family… Y si no recréate con el ejercicio visual que nuestro estimado Pato Conde nos regala y se pone en el papel del propio Javier Aramburu, portadista de referencia hasta que se cansó y que tantas veces ilustró discos de Los Planetas, La Buena Vida, Fangoria o Duncan Dhu por citar algunos ejemplos.
Ilustración por Pato Conde inspirada en la canción «Viaje a los sueños polares»:
Me gustaba el graffiti, solía pintar paredes, primero ponía “maría” muy grande luego empecé a escribir “mala”…
¿Como surgen las primeras letras?
Siempre escribí, empecé a rapear encima de ritmos cuando escuché las primeras grabaciones de música rap, gente de mi barrio. En esas canciones hablaba de lo que sentía, de lo que veía…
Tras 5 álbumes, y casi cerca de 20 años de carrera, ¿En qué punto te encuentras?
Siento el poder que te da conocerte a ti misma, me dejo llevar cuando la inspiración llega pero estoy entrenada para matar si es necesario.
“Bruja”, el quinto y ultimo trabajo de estudio presentado en 2013, nos acerca algunas rimas como en “Caliente” a tus inicios, a tu desparpajo de tus primeros álbumes. Curiosamente el periodo transcurrido entre la publicación de cada disco es de unos tres años ¿Cómo es el proceso creativo del disco? ¿Por qué etapas pasas?
Vivo, dejo que me pasen cosas, asimilo las experiencias y supongo que de esto es de lo que se llena mi música. Es mi vida.
Las dosis de realidad que suministras en muchas canciones como “La Rata” solo son la punta del iceberg de tu faceta más protesta. ¿Qué es lo que te empuja a escribir letras con tanta sinceridad?
Aquella noche estaba en un piso muy alto de un hotel de México, llevaba mucho rato con ganas de escribir y fue cuando regresé al hotel esa noche cuando explotó. A veces pasa así. Yo solo me dejo llevar. Algunas veces busco dentro de mí y no encuentro nada. Otras veces las palabras llegan y la canción se escribe sola… es como si tuvieran vida propia. No protesto solo muestro algo que todos vemos.
Hace unos años, colaboraste aportando algunas canciones en diferentes bandas sonoras para películas como “Yo puta” o “Yo soy la Juani”. ¿qué tal ha sido la experiencia de poder participar en un proyecto de esta magnitud? ¿Qué tal ha sido la experiencia?
Me gusta mucho trabajar con otros artistas sean de la índole que sean, el cine es maravilloso, me gusta unir mi nombre al de proyectos en los que se cuentan cosas poco usuales.
20 años de carrera dan para muchas historias. Escuchando “Bruja” me invade de alguna manera un sentimiento de nostalgia, me acerca a la primera vez que escuché tu primer single por allá en 1999 ¿Cuál ha sido el momento más dulce de tu carrera y el momento más duro?
No lo sé, he vivido muchas cosas, buenas malas y regulares, yo me quedo con todo. De eso estamos hechos. Todo cuenta pero no miro demasiado atrás. Soy una persona que mira hacia delante.
Tenemos muchas ganas de verte en la isla sobre los escenarios. Creo recordar que has actuado solo un par de veces en la isla. A parte de presentar tu ultimo trabajo, ¿Tendremos la oportunidad de escuchar clásicos? ¿Qué nos tienes preparado para el próximo concierto en el Mallorca Live festival?
Me hace especial ilusión venir a Mallorca, estas islas son mágicas y la gente es realmente bonita, humilde y sencilla, me da mucha alegría poder hacer sonar mi música en este lugar, me siento honrada y muy afortunada por formar parte de este festival y de que hayan contado conmigo.
Nos encantan las colaboraciones que sueles elegir en tus discos. Has trabajo con artistas nacionales e internacionales muy dispares como Akon a Raimundo Amador. En “Bruja” podemos escuchar canciones con Rapsusklei, Canserbero o Sefyu ¿Quién es el artista con el cual no hayas trabajado aun y le tengas muchas ganas?
Me encantaría trabajar con el rapero norte americano Kendrick Lamar. Es un excelente letrista y sus actuaciones tienen mucha fuerza, los temas de sus canciones son siempre muy comprometidos con el público que le escucha y para la juventud es un valor tener un ídolo como él.
¿Como ves el panorama musical nacional en el mundo del Hip-Hop? ¿Quiénes son los artistas nacionales que sigues de cerca?
El panorama siempre está creciendo, me gustan los nuevos talentos que inspiran a las nuevas generaciones, hay mucha variedad y todo me parece de calidad, me gustaría mencionar a H Roto por ejemplo, alguien que destacaría por su personalidad y talento.
Finalmente nos gustaría que te mojaras contándonos cuales son las canciones que suenan con más frecuencia en tu jukebox personal.
Mmmmm Lana del Rey, Beatles, Bach, afrotrap (risas).
Disco cada dos años, hasta el 2013 cuando se publica Kulturkatzenjammer, espera de tres años y en este 2016 dos discos casi seguidos. ¿Cúal es la razón de este ritmo de estrenos?
Dos años me parece un intervalo ideal entre discos. Nunca dejo de escribir canciones, pero de esta forma tengo un año de transición en el que puedo repetir patrones del disco anterior mientras aprendo cosas distintas –o eso quiero creer- y otro año del que saco casi todo el material nuevo. Entre Kulturkatzenjammer y estos dos discos sucedieron muchas cosas en mi vida –incluido un disco-libro con Hovik Keuchkerian (Resiliente, 2014), que probablemente fue más complicado de hacer que ninguno de los de Pajaro Sunrise, y la traducción de El Sonido y la Perfección, de Greg Milner-; las canciones estaban ahí pero no encontraba el momento o la motivación para reunirlas en un disco –una parte de lo que acabó siendo «Oh My»-. Hice Kulturkatzenjammer prácticamente yo solo y, después de Resiliente, supongo que necesitaba un descanso de grabaciones y que pasase algo más de tiempo.
Pajaro Sunrise ha tocado desde el Folk puro hasta la electrónica más exquisita, crees que este es tu disco más POP en el sentido más amplio de la palabra?
Creo que los dos primeros discos, sobre todo el primero, ya eran muy pop; en realidad, quizá Old Goodbyes sea la única excepción. En cualquier caso, The Collapse es un álbum muy de guitarras. Y guitarras de Bart Davenport, que es una enciclopedia andante del pop. Puedo entender la pregunta.
A pesar que la música transmite alegría y optimismo, algunas letras son muy agridulces, el título del disco tiene que ver con algún tipo de colapso personal?
Tiene que ver sobre todo con un colapso personal, sí, pero también con una especie de sensación pre-apocalíptica que está muy presente en el ambiente durante los últimos años. Recuerdo haber hablado de esto con Bart en el viaje de vuelta y a él diciendo que probablemente cada época ha tenido que vivir con esa sensación, no sólo la nuestra. En parte estoy de acuerdo, pero son tiempos raros estos y, fantasía o no, se diría que ya no dan mucho más de sí.
En este disco trabajas mano a mano con Bart Davenport, cómo ha sido la experiencia?
Soy (muy) fan de Bart desde el Bart Davenport / Bart Davenport y recuerdo haber pasado otra época personal bastante difícil casi exclusivamente a base de su Palaces: sólo el hecho de que estuviese dispuesto a participar en este disco ya fue un alegrón. Nos habíamos conocido en Madrid unos años antes pero nunca habíamos hecho nada juntos, así que ninguno de los podía saber qué iba a salir de todo aquello. Y lo cierto es que cuando llegó el momento fue todo facilísimo: él es un encanto de tipo y tenemos bastante terreno común musicalmente; fueron dos semanas increíbles de grabar, ver atardeceres en la playa, comer estupendamente –gracias, Nini- y reírnos mucho. No sé cómo será la grabación del próximo disco, pero va a ser difícil que la disfrute más.
Háblanos del equipo de lujo que te acompaña; Charlie Bautista, Javier Jiménez, Shawn Lee…
De Shawn conocía sus producciones y algunos vídeo suyos en YouTube, pero no a él personalmente. Al montar la banda nos encontramos con que el batería propuesto por Bart estaba girando con José González durante esos días y no había ninguna otra forma de organizar el calendario de grabación. Shawn ya había hecho algunos conciertos con Incarnations –como bajista- y además puede tocar prácticamente cualquier instrumento. De hecho, si no fue la primera opción seguramente se deba a que no creíamos que estuviese disponible (o interesado). Pero dijo que sí sin dudarlo y ahora me alegro mucho del conflicto de agendas que nos lo trajo: el disco sería muy distinto sin él.
Charlie ha grabado teclados en prácticamente todos los discos de PS y para mí gusto es uno de los mejores músicos de las Españas. Y viendo el número de discos en los que graba y el número de grupos con los que toca, parece ser una opinión bastante extendida. También hay mucho de él en The Collapse.
Javi y yo llevamos tocando juntos desde la gira de Done/Undone –podéis escuchar algunas versiones increíbles que graba como «Noble Beast» en su SoundCloud-, casi siempre el violín y últimamente también guitarras. Aunque en este disco ha grabado sólo en unas pocas canciones, ha sido un apoyo enorme durante todo el proceso y probablemente conozca el disco tan bien como yo –o mejor, muchas veces-. Agradecimiento infinito.
De momento tienes cerrados tres conciertos; Madrid, Barcelona y Coruña. No te prodigas mucho en directo, ¿esta gira la tienes pensada organizar con banda o en solitario?
Las presentaciones han sido con banda y después habrá un poco de todo: algunos conciertos a principios de año los haré yo solo o con Javi y en primavera habrá más conciertos con el grupo entero. Desde el verano he estado tocando bastante y espero seguir así una buena temporada: había dejado los directos prácticamente de lado porque necesitaba recuperarle el gusto y la pausa ha funcionado a la perfección.
En Palma tenemos muchas ganas de verte y hay un festival que te vendría perfecto, el Summer Pie, donde han actuado gente como: Rayland Baxter, Julie Dorion, Cuff The Duke, The Parson Red Heads, ¿podemos soñar con verte algún día?
¡Ojalá!, ¿dónde se apunta uno?
Me comentaba un amigo de León que tuvo la suerte de verte en un directo en acústico que le llamó mucho la atención como temas electrónicos o con muchos arreglos sonaban de maravilla sólo con una guitarra. ¿Es tu forma primigenia de componer, una guitarra acústica a la que le vas añadiendo capas de sonidos y diferentes texturas?
De hecho a menudo sucede al revés: escribo las canciones usando bases electrónicas y luego busco la manera de adaptarlas a la guitarra o al piano. Estoy acostumbrado a tocar cualquier canción de cualquier manera y creo que ésa es una de las cosas que más me divierte hacer en directo. Los conciertos con Javi se prestan estupendamente para eso: llevamos siete años tocando juntos y podemos permitirnos tocar sin pensar y hacer cosas nuevas cada vez. Sería muy aburrido tener que hacer siempre lo mismo.
Has dado conciertos por Europa y Asia con una excelente acogida, ¿crees que, debido al eterno complejo español, si hubieses sido un músico americano o inglés serías más reconocido en España?
La verdad es que no tengo ni idea. Quizá cantase en español o en francés y me ocurriría exactamente lo mismo. En todo caso, no puedo quejarme de reconocimiento y en Madrid y Barcelona hemos tocado con las salas llenas. Poco a poco vamos teniendo más público y quiero creer que con un poco de persistencia llegaremos a tener al menos el suficiente como para poder girar más a menudo.Creo que con eso me conformo.
¿Alguna vez has pensado en cantar en castellano?
Lo cierto es que grabé un disco en castellano en 2004 como parte del paso fugaz de V2 por España. Había escrito las canciones a toda prisa el verano anterior a la grabación y me faltaba mucha práctica, así que vistas ahora la mayoría me suenan bastante ingenuas, pero me sirvió para entrar por primera vez en un estudio grande y para aprender una barbaridad de todo aquello –la banda fue Jairo Zavala, Javier Vacas, Javier Gómez y el productor, Dani Alcover-. También aprendí que no quería volver a saber nada de multinacionales y que estaba más cómodo tocando la música que tocaba hasta entonces. Seguí escribiendo canciones en castellano durante un tiempo para intentar sacarme la espina con otro disco que me gustase más, pero poco después empezamos con PS y acabé dejándolo abandonado. Últimamente pienso en ello de vez en cuando, pero me sigue gustando viajar a sitios extraños y las letras en inglés me han pagado los billetes de avión hasta ahora. En algún momento llegará, supongo, pero no por ahora.
Siempre has estado vinculado al sello madrileño Lovemonk, has tenido la oportunidad de firmar por una multinacional o es una posibilidad que no valoras?
Pasé por una multinacional con el disco del que hablaba antes y, al menos entonces, no me gustó especialmente. No veo a ninguna multi interesándose por mí ahora mismo y tampoco me veo fuera de Lovemonk mientras les queden ganas de publicar discos: quizá no tengan muchos medios –y tampoco me quejo-, pero ponen un cariño enorme en todo lo que hacen y me apoyan en cada locura que se me ocurre. ¿Dónde iba a estar mejor?
En el otro disco que has publicado este año «Oh My(Lost Songs 2006-2016)» nos das alguna pista de tus influencias musicales, ¿qué está escuchando ultimamente Yuri?
Según mi perfil de Last.fm los últimos tres meses han sido para Nils Frahm, Ólafur Arnalds, Ghost Culture (discazo), Franco Battiato y Sonny and the Sunsets, por ese orden. En este tiempo también he pasado una época de adicción intensa a la electrónica africana de los ‘70/’80 (William Onyeabor, Francis Bebey) y, en la época en la que grabamos The Collapse aún estaba superando otra enganchada de tamaño mediano con John Maus, Connan Mockasin y Ariel Pink. La lista no se acaba nunca.
Si hay un grupo francés que está pegando fuerte en España ese es Exsonvaldes. Aunque los parisinos llevan ya 15 años en activo, es hace 3 que despuntan con “L’Aérotrain”, canción incluída en LIGHTS (Le Periscope, 2013). Este año han vuelto a sacar álbum: ANANDA (Interference / Green Ufos, 2016) en el que ya han sido éxito canciones como “Cyclop” o “En Silencio”, ambas con la colaboración de Helena Miquel. Tras su paso por diferentes festivales veraniegos en España, Simon Beaudoux, voz y guitarra de Exsonvaldes, ha tenido la amabilidad de atender a la entrevista de NOTODOESINDIE.
¿A qué se debe el éxito de Exsonvaldes en España?
Realmente no lo sabemos… supongo que el momento era el correcto. Teníamos el sello correcto en el momento adecuado y las canciones correctas. Tan pronto como empezamos a tocar en España sentimos una conexión muy especial con el público y este vínculo ha seguido creciendo. Ahora es nuestro lugar favorito para tocar.
Un compañero de Notodoesindie que no os conocía os vio en el LOW FESIVAL y quedó muy sorprendido por vuestro directo. Me imagino «Walls» en vivo y debe ser fantástico tanto encima como debajo del escenario…
¡Muchas gracias! Tocar en directo es muy divertido para nosotros… y muy importante. Después de todo el trabajo duro escribiendo canciones y grabándolas, es en el escenario donde finalmente puedes divertirte. Además hemos tenido la suerte de tocar en algunos festivales muy chulos en España. El LOW FESTlVAL fue uno de ellos.
No queremos sonar a nada que se parezca a los clásicos franceses
¿Qué grupos españoles escucháis?
Muchos…, Délafé obviamente, y el nuevo proyecto de Helena Miquel «Elena», León Benavente…también me gusta mucho Mourn, de Barcelona.
Hablando de Helena Miquel… la verdad es que disteis en el clavo con ella…
Queríamos hacer un dúo durante mucho tiempo, y también queríamos hacer algo especial para la audiencia española, así que parecía lógico. Conocimos a Helena en un festival en Andalucía y ya nos encantaba su voz. La verdad es que estamos muy contentos con los resultados. Escribir las dos canciones con ella fue una gran experiencia artística y además estamos encantados de haber lanzado un álbum en el que se dan 3 idiomas diferentes.
La popularidad llegó con LIGHTS pero con ARANDA habéis logrado encontrar la fórmula perfecta…
LIGHTS fue, sin duda, un punto de inflexión para nosotros. Las canciones en francés, «L’Aérotrain» que se escuchó mucho tanto en Francia como en España… empezamos a dar conciertos muy buenos, recorrimos muchas ciudades y eso nos sirvió para coger confianza. Con ARANDA quisimos hacer algo más espontáneo, más crudo… sí, definitivamente quisimos hacer algo más oscuro. Grabamos el álbum en vivo en Aranda de Duero, y la verdad es que estamos muy contentos con él.
España es nuestro lugar favorito para tocar
Al hablar de música francesa inevitablemente se piensa en la escena electrónica, en el movimiento musical llamado FRENCH TOUCH. ¿Vivisteis ese tiempo? ¿Os interesó todo aquello?
Sí, por supuesto. Escuchamos y seguimos escuchando un montón de música de esa escena, que además es amplísima. Phoenix, Air, Alan Braxe, Modjo… realmente pusieron la música pop Francesa de nuevo en el mapa. De Daft Punk por ejemplo me gustan mucho sus dos primeros álbumes, lo posterior dejó de interesarme.
En nuestro programa de radio de Notodoesindie en Sputnik Radio hemos utilizado este año como sintonía el«Comment te dire adieu» de Françoise Hardy… ¿hasta qué punto hay algo de influencia de los clásicos franceses en la música de Exsonvaldes?
No escuchamos la mayoría de clásicos franceses, así que supongo que la influencia que tuvieron en nosotros es que no queríamos sonar para nada como ellos.
¿Pronto nuevo álbum?
Vamos a tener más conciertos en 2017 y después de eso vamos a pensar en el nuevo álbum.
¿Qué grupos de la escena musical francesa nos recomiendas?
Os recomendaría a Louis-Jean Cormier (él es de Quebec), a Jacques, a Fishbach… la compilación LA SOUTERRAINE. También a Maud Lübek, que hemos sacado desde nuestro propio sello FINALISTES y que es un álbum magnífico.
¿Volveréis a tocar en Mallorca?
Estuvimos ya hace años, en el 2010 en concreto, en el MALAFAMA FEST… la verdad es que estaríamos encantados de volver a tocar en la isla.
Pues ya lo sabéis promotores de Festivales de Mallorca, la mano de Exsonvaldes está tendida… los mallorquines queremos disfrutar del vibrante directo de los parisinos.
De vez en cuando le ponemos la oreja a lo que pasa a lo otro lado del Atlántico, y así fue como descubrimos al argentino Diosque, a quien entrevistamos hace un tiempo en Notodoesindie. Hoy la playlist del invitado viene de muy lejos y con muchas canciones por descubrir. Nos la hizo hace ya un tiempo y casualidades de la vida, termina con una canción de Leonard Cohen, quien tristemente ha fallecido hoy.
TIM EASTON en Teatre Principal: RESERVAS DE MUNICIÓN
por Francesc Company
Así que ha aterrizado usted en la isla con forma de cabeza de cabra; moralmente decapitada, por cierto. El miércoles 16, en la sala-palomar de la cuarta planta, en el Teatre Principal, estará sobre el escenario con “la atención de todo el mundo”, y confío que de ningún modo “sin el corazón de nadie”, como le pasa a esa femmefatale (o normale, según se mire) en una de sus canciones. Tocar en directo debe ser como el último fotograma de una película que empieza con alguien escribiendo solo en una habitación.
En cualquier caso, Señor Easton, y directamente: escribir, dar conciertos en un mundo como el nuestro, ¿por qué?, ¿como ejercicio de compensación?, ¿para aumentar la autoestima?, ¿para exhibir un noble acto de resistencia?
Bueno, creo que ya has intentado responder por mí. Nunca me habían preguntado por mi falta de autoestima, y mucho menos en la primera pregunta de una entrevista dirigida un trovador con estilo de lobo solitario, para lo cual se necesita un montón de confianza en uno mismo. Sin embargo, no te equivocas al suponer que bajo toda bravuconería hay una tímida oveja. ¡Pero yo soy el Lobo Solitario! [enespañol en el original] De hecho, cuando escribo, estoy solo la mayor parte del tiempo; y escribo porque siento que es lo que tengo que hacer. Tal vez para sentirme alejado de la muerte. ¿O no es esa la razón que nos mueve sin cesar? Un noble acto de resistencia a la muerte, sí, de eso se trata probablemente.
Jesús, protégeme de tus seguidores…[aludiendo al título de la canción “Jesusprotect me from your followers”] ¡Ése es un gran verso! Nos encontramos ahora inmersos en un puritanismo transnacional a escala planetaria, el mal bajo el imperativo de la verdad…
Escribí eso cuando un predicador apareció ante mi puerta en la ciudad de Joshua Tree, en el desierto de Mojave, California, y me dijo que seguramente iría al infierno. En ese momento me encontraba sin pantalones y aún no había tomado el cafè, así que me cogió un poco desprevenido. ¿Era esa la filosofía de Jesucristo?
Las canciones de protesta social deberían estar ahí para romper el discurso único. “Las canciones son municiones”, como tú dices. Esto me hace pensar en ese potente “Apagón informativo” (“News Blackout”): mentirosos, tramposos, falsos líderes y demás…
Es imposible para mí no verme afectado por el mundo de la política. En este momento, mi país, que hizo una buena carrera en poco más de doscientos años, se está cayendo en pedazos. Según parece, no hemos aprendido mucho de la historia, y nuestro sistema educativo es deplorable. Las canciones de protesta suelen ser una porquería, pero de vez en cuando sale algo bueno.
Me gustaría seguir con la última canción citada, para subrayar los tonos de voz. A parte de la reminiscencia política de las palabras Tuve un sueño (aunque el uso del tiempo pretérito nos muestre, quizás, a alguien ya escéptico), Tuve un sueño en el que el presidente era honrado… Pero después rompes el enfoque público para pasar al privado: tuve un sueño mejor, un sueño en el que Scarlett me estaba besando… Muchos yoes, muchas voluntades, en una misma persona. ¿Un signo de la modernidad?
Eso está robado del más puro Dylan. Él cantó a Bardot, yo canto sobre Johansson. Es profundo y complicado. Cantar sobre sexo es siempre más divertido que cantar sobre política.
Hay algo que el lector/oyente suele dar muchas veces por sentado, la inocencia de la voz de quien habla, de quien explica el dolor a una audiencia. Sin embargo, en algunas de tus canciones, Just like home, por ejemplo, el narrador adquiere un estado de ánimo confesional, principalmente por algún tipo de culpabilidad: soñé que era una botella de Bourbon / atrapada en una casa ardiendo…
De hecho se trata de un sueño real. No soporto cuando los compositores dicen que han escrito una canción a partir de un sueño. ¡Pero sucede! Soñé que físicamente era una botella de Bourbon atrapada en una casa en llamas. Lo que no escribí fue que la botella (yo) estaba también, por alguna razón, en la nevera de esa casa. En realidad, no necesitas un psicólogo para explicar eso. No me sentía culpable, sólo honesto. Entonces tuve que terminar la canción, y desperté del sueño porque una pareja estaba discutiendo en el apartamento contiguo. Añadí esto al segundo verso. Todo lo demás es inventado, excepto la parte que habla de los drag queens.
Permíteme preguntarte: ¿un personaje perdedor como parte del juego estético, como forma de narcisismo negativista o, si no todo junto, como un primer paso para asumir una responsabilidad pública hacia el dolor de los demás?
¿Acaso no hacemos que los demás sepan nuestros defectos para que puedan encontrar consuelo? Bukowski diría que no. A él le importaba un carajo. Escribía por placer. Vivía para escribir y vivía el acto físico de las palabras atravesando la página. (Estoy disfrutando con tus preguntas sobre todo porque nadie, excepto en Mallorca, me hace preguntas así.) Simplemente intento terminar mis canciones, y no puedo preocuparme por sus consecuencias. El hecho de que el Rock’n’Roll i el Folk hayan subido alguna vez, gracias a gente como Patti Smith y demás, a la categoría de Arte con mayúscula, es a menudo una carga demasiado pesada para los cantautores corrientes como yo mismo. Aprecio el discurso. Intentaré hacer las cosas bien, sin preocuparme por el verdadero análisis crítico, aunque tampoco me desentenderé de la calidad de mi trabajo. ¡Aquí tienes la respuesta de un narcisista discreto!
Es deplorable la forma en que la política está condicionada por el patriotismo o incluso peor, la forma en que el patriotismo se ha convertido en la regla sagrada para ejercer la política. Parece como si cualquier remordimiento fuera a mancillar el cielo estrellado de la bandera americana, ¿no?
Mi país es todavía muy joven. He viajado tanto y he vivido en tantas ciudades grandes y lejanas que, realmente, me siento un ciudadano del planeta. Me siento afortunado de mi vida de canciones y festivales, de noches junto al fuego en campamentos y de repartir vacunas en los barrios de Santo Domingo, de cantar lo mejor que uno puede contra las injusticias y para los oprimidos sin meter ningún mensaje en la garganta de nadie. La gente que se llama a sí misma “patriota” en mi país, ahora mismo, sustentan su patriotismo en una gran mentira. Tampoco soy ingenuo respecto a la izquierda y su corrupción. Sólo intento hacer como hacía Woody Guthrie, encontrar compasión hacia los demás. Todos sabemos que hay canallas en la cumbre. De vez en cuando tenemos suerte y el jefe resulta ser un encanto, pero la mayor parte de ellos tuvieron que arañar y golpear en su camino a la cima. Me alegro de que los poetas sólo se arañen y golpeen unos a otros verbalmente y en el pub.
[A estas alturas de la conversación, el entrevistador se ha convertido ya en un devoto seguidor, postrado ante Tim Easton, y pierde la cabeza al interpretar literalmente el sentido de una de sus canciones. Así que en la conciencia del entrevistador, él mismo y el señor Easton, más la entrevista en sí junto con sus hipotéticos lectores, se convierten todos en parte de esa canción que sigue sonando…with the booze and pills and powders and the bloody mary mornings red headed sluts and car bombs irish whiskey and scotch everthing the heroin cocaine and morphine ecstasy opium and wine…]
Así que, hoy en día, Señor Easton, siempre se levanta usted sobrio en Amsterdam?
De ningún modo.
No te pierdas el concierto de Tim Easton junto a Toni Monserrat el próximo 16 de noviembre en el Teatre Principal de Palma.
Como nos gusta que grandes grupos nos dejen su playlist… Linda Mirada, Miqui Puig, El Último Vecino, Amatria… y ahora unos franceses cada vez más de moda que seguro que has podido ver este verano en España. En Notodoesindie pronto publicaremos una entrevista con ellos pero mientras y de momento aquí tenéis la playlist de EXSONVALDES… Merci!
Este está siendo el año de Salvatge Cor, si hace unos meses fueron los justos ganadores de la final de Art Jove disputada a bordo de un ferry entre Ibiza-Palma ahora se sacan este temazo. Con menos intensidad de la que nos tienen acostumbrados sacan como single este elegante tema, en el que no faltan, eso sí, las guitarras marca de la casa.
El videoclip es obra de Marc Farré Secall. Las imágenes pertenecen al cortometraje documental «À propos de Nice» de Jean Vigo, del año 1930 y le vienen como anillo al dedo a la música.
Hace un año estuvo su guitarra Biel en el programa de Notodoesindie en Sputnik Radio pero va siendo hora que se pasen y hablemos como toca. ¿Cuándo quedamos chicos?
Bueno, lo primero es lo primero… Y ahora toca disfrutar del videoclip y de la canción incluida en su disco «L’U» del año pasado.
La primera vez que escuché algo de Amatria fue una versión de la fantástica «Lucha de Gigantes» del gran Antonio Vega. Más tarde escuché el disco homónimo, ya tercero en su carrera: AMATRIA (2016). Un álbum de espíritu pop con fundamentos electrónicos. De él extrajimos una de nuestras canciones favoritas de 2015, «Me Falta Algo», que se colaría en el #9 de nuestra lista.
Ahora Amatria nos regala esta playlist para todos los seguidores de Notodoesindie.
Hoy 4 de septiembre de 2016 se cumplen dos años de la muerte de Gustavo Cerati, tras más de cuatro en coma.
A modo de homenaje desde Notodoesindie comenzamos el proyecto 5 CANCIONES PARA CERATI, en el que artistas del mundo de la música le dedican unas palabras y una canción al líder de Soda Stereo; esta idea quiere tener continuidad cada 4 de septiembre. En esta primera edición contamos con Javiera Mena, la artista chilena más internacional, Cineplexx, el músico bonaerense con quien colaboró Daniel Melero, cuya participación fue básica en uno de los más importantes álbumes de Soda Stereo: CANCIÓN ANIMAL (1990) o en el fantástico DYNAMO (1992), además de haber participado en el COLORES SANTOS (1992) junto a Gustavo Cerati. Daniela Herrero, cantante, actriz y compositora de Buenos Aires que trabajó con Zeta Bosio, bajista de Soda Stereo y uno de sus vértices. Loli Molina, quien participó en el HOMENAJE SINFÓNICO A GUSTAVO CERATI de hace hoy justo un año interpretando de manera magistral una de las más bellas canciones jamás escritas por Gustavo: «Lago en el Cielo». Y Leandro Fresco, a quien tuve el placer de conocer personalmente en uno de sus conciertos en Mallorca, teclista de la banda de Gustavo Cerati cuando éste ya actuaba en solitario; además participó como músico invitado en la gira ME VERÁS VOLVER en 2007, diez años después de la separación de SODA.
JAVIERA MENA
«Soda Stereo fue una banda que siempre rodeó mi niñez. Me gustaban, aunque nunca les presté atención con fanatismo. Una vez vinieron a Chile, fui a verlos y empecé a ponerles más atención. Su álbum CANCIÓN ANIMAL (1990) es fantástico, la lírica que emplea Gustavo, cómo amó la música y se mantuvo en el tiempo… La canción que le dedicaría sería «El Gavilán» de Violeta Parra«.
CINEPLEXX
«Si tuviese que pinchar un tema en presencia de Gustavo hubiese sido el «Higher than the Sun» de Primal Scream, estoy seguro que podríamos haber tenido largas charlas sobre este grupo y en especial este discazo con muchos elementos en común con la producción de Cerati: la psicodelia, la electrónica, la sensualidad, algo de hedonismo, ¡el sol!, el baile… siempre el baile.
Le conocí brevemente una vez en el ROJAS cuando me lo presento Alejandro Ros (su diseñador gráfico habitual) y hablamos un rato; él parecía estar esperando a alguien que no llegaba para entrar a ver a Suárez y Pánico (creo recordar), le di mi primer cassette de Cineplexx y él me dijo: «Ya lo tengo, está junto al sobre amarillo en la mesa de mi casa, lo voy a escuchar», mientras él hablaba en mi cabeza sonaba «Pulsar» de AMOR AMARILLO (1993), un disco que me marcó mucho junto al álbum TRAVESTI (1994) de Melero. Me hubiese encantado conocerle más, tengo otra anécdota muy divertida y bizarra con él, pero mejor esa me la guardo para mí. Es una verdadera pena su partida tan prematura, pero una bendición que nos haya arrasado a todos con su fuerza creativa, salvaje e incontenible… su tsunami musical».
DANIELA HERRERO
«Gustavo Cerati es amor eterno. Un referente en todo sentido. Tuve la oportunidad de compartir escenario con él en un encuentro de músicos argentinos en donde cantamos un tema emblemático de rock nacional.
En mi humilde opinión, no creo que haya tantos músicos con esa calidad, armonía, complejidad y belleza. Todo en su medida y momento justo. Puedo seguir porque me invade su luz… creo que es una cuestión de compatibilidades. Su música me conmueve mucho. Le dedico «Será que la canción llegó hasta el sol» de Luis Alberto Spinetta«.
LOLI MOLINA
«Conocí a Gustavo y compartí apenas una conversación breve; me alcanzó para percibir que era alguien muy especial con una energía muy brillante, con una irradiación que atrapa. Además de que tenía unos ojos claros, como de agua, muy bonitos. Es y será siempre uno de mis héroes de la guitarra y de la canción.
Si tuviera que compartir con él una canción sería «Agua e Vinho» de Egberto Gismonti porque es otro de mis héroes de la música y no sé si a él le interesaría, pero creo que las personas que tienen la capacidad de marcar las vidas de tanta gente, beben de la misma fuente y pueden acceder a lugares muy hondos, comunes de todos los seres y fuerzas y expresarlo desde lo bello, alcanzando con su antena distancias muy grandes. Así que quizás algo en común podrían tener… Gracias Gustavo por tanta música maravillosa, profunda y por tu presencia en estos tiempos que nos toco compartir contigo».
LEANDRO FRESCO
«Recuerdo ir viajando en la camioneta de Gustavo, con él, su esposa en ese momento: Cecilia Amenábar y sus dos hijos: Benito y Lisa, por entonces muy pequeños. Paseábamos en un viaje veraniego por la Patagonia Argentina, hablo del año 2000 en el parque nacional Lanin, cercano a la ciudad donde viven mis padres: San Martín de los Andes. Gustavo había decidido pasar parte de sus vacaciones familiares en ese lugar tan lindo del sur argentino. Íbamos escuchando el álbum MUSIC HAS THE RIGHT TO CHILDREN (1998) de Boards of Canada. Hablamos de muchos otros discos que nos llamaban la atención en ese entonces, (otro álbum que comentamos mucho era HONG KONG (1997) del artista Monolake , editado por el sello Chain Reaction), pero ambos coincidíamos en que el disco debut de Boards of Canada era particularmente excelente. La sorpresa divertida ocurrió cuando tuvimos que hacer una parada «técnica» en la casa del guardabosques. Gustavo mismo bajo del vehículo y llamó a la puerta de la residencia hecha de troncos, la sorpresa fue ver la cara del hombre al abrir la entrada de su casa, que estaba perdida en medio del bosque andino, un lugar bastante inhóspito. La cara del muchacho resplandeció de emoción al ver al líder de Soda en una situación tan inusual… fue un momento genial, el guardabosques resultó ser un fánatico de Soda Stereo y no podía creer que el líder de la banda (por ese entonces separada hacía muy poco) tocara el timbre. El joven nos invitó a pasar a su casa y terminamos tomando mate y charlando un poco, trajo un ejemplar del álbum DYNAMO (1992) y una foto de Soda Stereo para que Gustavo la firmara y al rato partimos a seguir la excursión veraniega, sabiendo que esa tarde sería difícil de olvidar para el hombre del bosque y su familia».
Y yo sólo puedo decir a Javiera Mena, a Cineplexx, a Daniela Herrero, a Loli Molina, a Leandro Fresco y, sobretodo a Gustavo Cerati… GRACIAS TOTALES. El próximo año más.
A finales del año pasado entrevistamos a Paco Román, líder de la banda Neuman que sin duda atraviesa uno de sus mejores momentos. Aunque ahora estén más silenciosos y preparando nuevo material; hemos aprovechado para contactar con Paco de nuevo y pedirle que nos creara una playlist para NotodoesIndie. Sin duda un lujo contar con él y sus recomendaciones musicales; un fiel reflejo desde luego de lo que es él y su banda como músicos.
Te invitamos a que entres en el mundo Neuman y descubras nombres y sonidos nuevos que seguro te sorprenderán.
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